Arte
En Luzio, el arte siempre ha tenido un lugar. No como decoración, sino como presencia: obras que conviven con el espacio, lo transforman y lo dotan de sentido. Esta selección reúne a artistas contemporáneos cuya práctica abarca la pintura, la escultura y la abstracción matérica. Procedencias distintas, lenguajes propios: el gesto y el color como núcleo, la materia como territorio de exploración, el cuerpo humano como ancla y el silencio como forma. Unidos por una misma exigencia: que la obra posea voz propia y capacidad de conmover. Todas las obras están disponibles en nuestra tienda en Barcelona.
Pintura Verde Palmera Sobre Verde
Jose Maria Garcia
114 x 114 cm (a × h)
4598 €
José María García regresa a los elementos esenciales de la pintura, donde el color, el gesto y el material conforman el núcleo de su lenguaje artístico. Su obra se mueve con frecuencia entre la pintura y la escultura, difuminando los límites entre ambas disciplinas.
Cada pieza es el resultado de un proceso consciente y metódico. Partiendo de la textura y el color, García emplea materiales cuidadosamente seleccionados y espátulas de fabricación propia, dando forma a gestos fluidos e intencionados que emergen como superficies elegantes, casi en relieve. Su uso refinado del color otorga a las composiciones una presencia poderosa, casi física. A menudo deja partes de la superficie al descubierto, creando un límite neutro que concentra la atención en los campos escultóricos de color. Al reducir su obra a lo esencial, García evita interpretaciones narrativas y propicia un encuentro directo e intuitivo con el espectador.
El resultado es una obra que se siente a la vez atemporal y precisa, que irradia calma e intensidad a partes iguales. En una época marcada por el impulso constante de explicar y definir, las pinturas de José María García ofrecen un espacio donde la percepción puede desplegarse con libertad, sin instrucciones.
Sin Título I
Iñaki Moreno
114 x130 cm (a × h)
6534 €
Iñaki Moreno (1968–2023) desarrolló su obra en un antiguo convento del siglo XIX en Barcelona, transformado en su taller. Su lenguaje pictórico, profundamente arraigado en el expresionismo abstracto, explora la vulnerabilidad humana a través de una búsqueda constante entre el color, la textura y el gesto.
Partiendo del rostro como punto de entrada (entendido como la máxima expresión de la belleza en su imperfección), su trabajo evolucionó hacia una conjunción de formas y colores aparentemente incoherentes que logran cristalizar en una armonía inesperada. Le fascinaba el proceso mediante el cual el caos interno se transmuta en obra de arte.
Sus referencias se nutren del Action Painting americano de los años cincuenta, con figuras como Motherwell, Pollock, Rothko y De Kooning, entrelazadas con el legado de Picasso, Tàpies y Saura. Su obra ha formado parte de proyectos de interiorismo de relevancia internacional, destacando su presencia en el restauranteThe Bazaarde José Andrés en Nueva York.
"No es lo que se esconde detrás de mi obra, sino lo que se oculta detrás del que la contempla."
Sin Título II
Iñaki Moreno
150 x 180 cm (a × h)
6534 €
Iñaki Moreno (1968–2023) desarrolló su obra en un antiguo convento del siglo XIX en Barcelona, transformado en su taller. Su lenguaje pictórico, profundamente arraigado en el expresionismo abstracto, explora la vulnerabilidad humana a través de una búsqueda constante entre el color, la textura y el gesto.
Partiendo del rostro como punto de entrada (entendido como la máxima expresión de la belleza en su imperfección), su trabajo evolucionó hacia una conjunción de formas y colores aparentemente incoherentes que logran cristalizar en una armonía inesperada. Le fascinaba el proceso mediante el cual el caos interno se transmuta en obra de arte.
Sus referencias se nutren del Action Painting americano de los años cincuenta, con figuras como Motherwell, Pollock, Rothko y De Kooning, entrelazadas con el legado de Picasso, Tàpies y Saura. Su obra ha formado parte de proyectos de interiorismo de relevancia internacional, destacando su presencia en el restauranteThe Bazaarde José Andrés en Nueva York.
"No es lo que se esconde detrás de mi obra, sino lo que se oculta detrás del que la contempla."
Asimetria de Pensamiento
Coco Gabriel
120 x 150 cm (a × h)
6050 €
Coco Gabriel (Argentina, n. 1978) es un artista plástico radicado en Barcelona. Su trayectoria previa en el mundo de la moda ha configurado una sensibilidad particular hacia la forma, la textura y la presencia; elementos que hoy atraviesan y definen la integridad de su obra pictórica.
Su trabajo se desarrolla en el ámbito de la abstracción matérica y la exploración del lenguaje como límite. Gabriel no pinta lo que ve, ni lo que recuerda: pinta aquello que resiste al lenguaje, lo que permanece antes de ser nombrado. A través de una metodología intuitiva y casi ritual, prescindiendo de bocetos o estructuras previas, el artista trabaja desde la memoria, la emoción y el error. Sus piezas incorporan arena, tierra y polvo, generando superficies erosionadas y densas que activan distintos niveles de percepción.
Ha expuesto en el Real Círculo Artístico de Barcelona y en diversas galerías de España y Argentina. Su obra reciente, Silencios guardados (2025), articula un territorio donde las palabras no dichas y los gestos contenidos encuentran su cuerpo a través de la materia.
"Mi búsqueda es que la obra tenga profundidad y deje espacio a la imaginación."
Escultura Ceramica Gres
Esperanza Grez
27 x 16 x 28 cm (l× a × h)
600 €
Esperanza Grez (Chile, n. 1992) es artista visual e investigadora. Licenciada en Arte por la Pontificia Universidad Católica de Chile y máster en Investigación en Arte y Diseño por EINA, su práctica multidisciplinar se despliega principalmente a través de la fotografía, el grabado y la escultura.
Su obra parte de la observación de estructuras en construcción para reflexionar sobre la relación entre el ser humano y la arquitectura, entendida esta como un cuerpo en constante formación. A través de una analogía entre la anatomía corporal y la industrial, Grez busca puntos de encuentro donde ambas lógicas convergen. Para la artista, la ciudad no es un plano inerte, sino un organismo vivo en metamorfosis permanente donde objetos y sujetos se afectan, se interpelan y resuenan entre sí.
Su metodología es esencialmente cartográfica: recorrer la ciudad, recolectar imágenes y objetos del entorno urbano, y trazar vínculos entre conceptos, sonidos y movimientos. Es una práctica donde la materialidad, la teoría y la praxis se encuentran para repensar el vínculo fundamental entre el ser humano y su hábitat.
Escultura Ceramica Gres
Esperanza Grez
39 x 13 x 14 cm (l × a × h)
820 €
Esperanza Grez (Chile, n. 1992) es artista visual e investigadora. Licenciada en Arte por la Pontificia Universidad Católica de Chile y máster en Investigación en Arte y Diseño por EINA, su práctica multidisciplinar se despliega principalmente a través de la fotografía, el grabado y la escultura.
Su obra parte de la observación de estructuras en construcción para reflexionar sobre la relación entre el ser humano y la arquitectura, entendida esta como un cuerpo en constante formación. A través de una analogía entre la anatomía corporal y la industrial, Grez busca puntos de encuentro donde ambas lógicas convergen. Para la artista, la ciudad no es un plano inerte, sino un organismo vivo en metamorfosis permanente donde objetos y sujetos se afectan, se interpelan y resuenan entre sí.
Su metodología es esencialmente cartográfica: recorrer la ciudad, recolectar imágenes y objetos del entorno urbano, y trazar vínculos entre conceptos, sonidos y movimientos. Es una práctica donde la materialidad, la teoría y la praxis se encuentran para repensar el vínculo fundamental entre el ser humano y su hábitat.
Cuadro Aluminio Lacado Rojo
David Casademunt
105 × 105 cm (a × h)
2178 €
David Casademunt (Barcelona, n. 1955) se formó en la Escuela Superior de Diseño y Arte Llotja de Barcelona, cimentando una base técnica que marcaría su doble vertiente creativa. Durante décadas, consolidó una destacada trayectoria en el mundo de la publicidad como director de arte y diseñador gráfico, liderando proyectos en agencias de referencia como Bassat & Ogilvy, Tandem DDB y Tiempo BBDO para clientes internacionales como Freixenet, Volkswagen, Audi y Lottusse.
En paralelo a su carrera publicitaria, ha mantenido una práctica artística constante, donde la pintura y la escultura se convierten en sus lenguajes de exploración personal. Su obra, que transita entre el rigor del diseño y la expresividad plástica, ha sido expuesta en galerías de Barcelona, Madrid, Miami y Sofía. Asimismo, su legado escultórico trasciende el ámbito galerístico, con piezas instaladas de forma permanente tanto en espacios públicos como en colecciones privadas.
Cuadro Aluminio Lacado Rojo
David Casademunt
40 x 40 cm (a × h)
585 €
David Casademunt (Barcelona, n. 1955) se formó en la Escuela Superior de Diseño y Arte Llotja de Barcelona, cimentando una base técnica que marcaría su doble vertiente creativa. Durante décadas, consolidó una destacada trayectoria en el mundo de la publicidad como director de arte y diseñador gráfico, liderando proyectos en agencias de referencia como Bassat & Ogilvy, Tandem DDB y Tiempo BBDO para clientes internacionales como Freixenet, Volkswagen, Audi y Lottusse.
En paralelo a su carrera publicitaria, ha mantenido una práctica artística constante, donde la pintura y la escultura se convierten en sus lenguajes de exploración personal. Su obra, que transita entre el rigor del diseño y la expresividad plástica, ha sido expuesta en galerías de Barcelona, Madrid, Miami y Sofía. Asimismo, su legado escultórico trasciende el ámbito galerístico, con piezas instaladas de forma permanente tanto en espacios públicos como en colecciones privadas.
Cuadro Aluminio Lacado Azul
David Casademunt
60 x 60 cm (a × h)
726 €
David Casademunt (Barcelona, n. 1955) se formó en la Escuela Superior de Diseño y Arte Llotja de Barcelona, cimentando una base técnica que marcaría su doble vertiente creativa. Durante décadas, consolidó una destacada trayectoria en el mundo de la publicidad como director de arte y diseñador gráfico, liderando proyectos en agencias de referencia como Bassat & Ogilvy, Tandem DDB y Tiempo BBDO para clientes internacionales como Freixenet, Volkswagen, Audi y Lottusse.
En paralelo a su carrera publicitaria, ha mantenido una práctica artística constante, donde la pintura y la escultura se convierten en sus lenguajes de exploración personal. Su obra, que transita entre el rigor del diseño y la expresividad plástica, ha sido expuesta en galerías de Barcelona, Madrid, Miami y Sofía. Asimismo, su legado escultórico trasciende el ámbito galerístico, con piezas instaladas de forma permanente tanto en espacios públicos como en colecciones privadas.
Bolas II
Rahim El
140 x 140 cm (a × h)
3146 €
Rahim El (Tayikistán, n. 1988) de origen persa y ruso, reside en Barcelona desde 2022. Especializado en la pintura al óleo, tanto abstracta como figurativa, su práctica sitúa al ser humano y al color como ejes fundamentales de su universo creativo.
Su obra busca trasladar al lienzo la huella de la existencia: la belleza del cuerpo, las emociones ocultas y las vertientes inesperadas del alma. Trabaja la textura y el color de forma intuitiva, construyendo composiciones donde cada trazo reclama su propio carácter y significado. A través de este diálogo material, El logra capturar una esencia que trasciende lo puramente visual.
Su trabajo ha sido expuesto en Moscú, Miami y diversas plataformas internacionales de arte contemporáneo.
Love Code XXIII
Albert Coma Bau
90 x 171 cm (a × h)
6050 €
Albert Coma Bau (Vic, 1970) entiende la existencia como una secuencia de estímulos. Desde su taller en Vic, tras una residencia de dos años en Berlín, desarrolla una práctica multidisciplinar que abarca la pintura, el dibujo, la fotografía, la instalación y la performance.
Su obra reflexiona sobre las relaciones humanas y los paisajes que nos conducen a descubrir nuestro yo más íntimo. Simples en su composición cromática pero de una gran intensidad emocional, sus piezas vinculan espiritualidad y humanidad a través de una red de líneas firmes. Conceptos en expansión permanente como el tiempo y el espacio, la presencia y la ausencia, o la vida y la muerte, transgreden los convencionalismos y convierten su trabajo en una plataforma abierta hacia la libertad.
Su obra forma parte de colecciones institucionales y privadas, como la Fundació Vila Casas y la Familia Real de Jordania, y ha sido expuesta en Suiza, Alemania, Francia, Jordania y Argelia.
Corporis Atque Loci III
Roger Sanguino
19 x 48 cm (a × h)
1210 €
Roger Sanguino (Venezuela, n. 1968) se formó en el Instituto de Arte Federico Brandt y el Taller Escuela Arte & Fuego en Caracas. En 2003 se traslada a Barcelona, donde consolida su formación en la Escola Massana, cursando los ciclos superiores de Pintura y, posteriormente, de Escultura.
Su práctica sitúa el retrato y el cuerpo como ejes de una investigación profunda en torno a la condición humana: la mente, el lenguaje corporal, la identidad y la alteridad. Partiendo de retratos de la memoria compuestos a modo de mosaico, su obra ha evolucionado hacia la tridimensionalidad, estableciendo un puente donde la pintura y la escultura conviven sobre la misma superficie.
Lo que distingue formalmente su trabajo es la coexistencia de un doble dibujo: uno que habita la superficie y otro que emerge y flota sobre ella mediante cuerdas de piano, alambres, varillas y redes de acero. Este dibujo tridimensional recorre el espacio, incorpora el vacío y dialoga con el volumen envolviéndolo, generando estructuras que funcionan como retículas aéreas en constante diálogo con el espectador.
Corpus Tuum Domo Sua VII
Roger Sanguino
45 x 97 cm (a × h)
2180 €
Roger Sanguino (Venezuela, n. 1968) se formó en el Instituto de Arte Federico Brandt y el Taller Escuela Arte & Fuego en Caracas. En 2003 se traslada a Barcelona, donde consolida su formación en la Escola Massana, cursando los ciclos superiores de Pintura y, posteriormente, de Escultura.
Su práctica sitúa el retrato y el cuerpo como ejes de una investigación profunda en torno a la condición humana: la mente, el lenguaje corporal, la identidad y la alteridad. Partiendo de retratos de la memoria compuestos a modo de mosaico, su obra ha evolucionado hacia la tridimensionalidad, estableciendo un puente donde la pintura y la escultura conviven sobre la misma superficie.
Lo que distingue formalmente su trabajo es la coexistencia de un doble dibujo: uno que habita la superficie y otro que emerge y flota sobre ella mediante cuerdas de piano, alambres, varillas y redes de acero. Este dibujo tridimensional recorre el espacio, incorpora el vacío y dialoga con el volumen envolviéndolo, generando estructuras que funcionan como retículas aéreas en constante diálogo con el espectador.
Corpus Tuum Domo Sua IX
Roger Sanguino
45 x 97 cm (a × h)
2180 €
Roger Sanguino (Venezuela, n. 1968) se formó en el Instituto de Arte Federico Brandt y el Taller Escuela Arte & Fuego en Caracas. En 2003 se traslada a Barcelona, donde consolida su formación en la Escola Massana, cursando los ciclos superiores de Pintura y, posteriormente, de Escultura.
Su práctica sitúa el retrato y el cuerpo como ejes de una investigación profunda en torno a la condición humana: la mente, el lenguaje corporal, la identidad y la alteridad. Partiendo de retratos de la memoria compuestos a modo de mosaico, su obra ha evolucionado hacia la tridimensionalidad, estableciendo un puente donde la pintura y la escultura conviven sobre la misma superficie.
Lo que distingue formalmente su trabajo es la coexistencia de un doble dibujo: uno que habita la superficie y otro que emerge y flota sobre ella mediante cuerdas de piano, alambres, varillas y redes de acero. Este dibujo tridimensional recorre el espacio, incorpora el vacío y dialoga con el volumen envolviéndolo, generando estructuras que funcionan como retículas aéreas en constante diálogo con el espectador.
Lo Que Queda V
Patricio Raineri
53 x 73 cm (a × h)
1356 €
Patricio Raineri (Argentina, n. 1971) reside en Barcelona desde 1998, ciudad donde ha consolidado la mayor parte de su trayectoria. Formado bajo el magisterio de Germán Gargano en Buenos Aires, su práctica pictórica explora la psique humana utilizando la materia como un medio de introspección profunda.
Su serie Bosques Negros, presentada en 2023 en la Galería Potassi K19, marcó un punto de inflexión en su lenguaje: el uso del carboncillo y el gesso sobre papel rasgado le permitió plasmar emociones universales, invitando al espectador a un diálogo frontal con sus propios miedos y conexiones íntimas. En su serie más reciente, Lo Que Queda, Raineri reflexiona sobre la pequeña cotidianidad y aquello que, a pesar de su aparente invisibilidad, permanece como algo esencial en nuestra percepción del mundo. Son pinturas donde lo inmenso reside en universos mínimos, y donde la oscuridad y la luz conviven a través de un uso magistral del color.
Su obra ha sido expuesta en diversos espacios de Barcelona, manteniendo una búsqueda constante sobre la dualidad entre lo matérico y lo emocional.
En La Marea
Patricio Raineri
130 x 162 cm (a × h)
4175 €
Patricio Raineri (Argentina, n. 1971) reside en Barcelona desde 1998, ciudad donde ha consolidado la mayor parte de su trayectoria. Formado bajo el magisterio de Germán Gargano en Buenos Aires, su práctica pictórica explora la psique humana utilizando la materia como un medio de introspección profunda.
Su serie Bosques Negros, presentada en 2023 en la Galería Potassi K19, marcó un punto de inflexión en su lenguaje: el uso del carboncillo y el gesso sobre papel rasgado le permitió plasmar emociones universales, invitando al espectador a un diálogo frontal con sus propios miedos y conexiones íntimas. En su serie más reciente, Lo Que Queda, Raineri reflexiona sobre la pequeña cotidianidad y aquello que, a pesar de su aparente invisibilidad, permanece como algo esencial en nuestra percepción del mundo. Son pinturas donde lo inmenso reside en universos mínimos, y donde la oscuridad y la luz conviven a través de un uso magistral del color.
Su obra ha sido expuesta en diversos espacios de Barcelona, manteniendo una búsqueda constante sobre la dualidad entre lo matérico y lo emocional.
Cara Negra
Rahim El
160 x 170 cm (a × h)
3146 €
Rahim El (Tayikistán, n. 1988) de origen persa y ruso, reside en Barcelona desde 2022. Especializado en la pintura al óleo, tanto abstracta como figurativa, su práctica sitúa al ser humano y al color como ejes fundamentales de su universo creativo.
Su obra busca trasladar al lienzo la huella de la existencia: la belleza del cuerpo, las emociones ocultas y las vertientes inesperadas del alma. Trabaja la textura y el color de forma intuitiva, construyendo composiciones donde cada trazo reclama su propio carácter y significado. A través de este diálogo material, El logra capturar una esencia que trasciende lo puramente visual.
Su trabajo ha sido expuesto en Moscú, Miami y diversas plataformas internacionales de arte contemporáneo.